Principes de base de la chorégraphie pour le ballet

Lorsque vous décidez de chorégraphier vos propres danses de ballet, vous avez une totale liberté d'expression pour votre chorégraphie. Et c'est comme ça devrait être. Mais les artistes de toutes sortes ont trouvé qu'ils s'épanouissaient mieux lorsqu'ils se soumettaient volontairement à certaines limitations. La série de gestes du ballet, par exemple, est une «limitation» qui libère en quelque sorte l'imagination des grands chorégraphes de ballet.

Les idées des sections suivantes, tirées de siècles de grande chorégraphie, vous donnent un cadre pour votre liberté, un véhicule pour votre propre vision artistique. Toutes les formes d'expression sont valides - mais ces idées peuvent vous aider à démarrer avec succès.

Trouver votre inspiration - musique ou thème

Qu'est-ce qui fait qu'un chorégraphe veut créer une danse en particulier? La plupart des chorégraphes disent qu'ils sont généralement inspirés par l'une des deux choses: la musique ou le thème.

Quand tu entends un certain morceau de musique, es-tu emporté dans un tourbillon extatique? Les couleurs et les formes et les mouvements se suggèrent-ils immédiatement à vous? Êtes-vous perdu dans le temps et l'espace? Si oui, nous connaissons un bon médecin qui peut aider. Mais à défaut, la pièce semble être un bon candidat pour la chorégraphie.

S'il y a une règle fondamentale de la chorégraphie, c'est celle-ci: les gestes doivent refléter la musique. Ce qui distingue les chorégraphes à succès, c'est que leurs gestes incarnent magnifiquement la musique, comme si chaque phrase musicale avait été écrite juste pour eux.

Un exemple que la plupart des gens peuvent visualiser est la danse de la Fée de la prune du sucre de Casse-Noisette . Au fur et à mesure que le célesta commence à jouer de ses tons tinkly, la ballerine danse des petits pas délicats, délicats, qui semblent flotter sur la scène. Bien que différents chorégraphes aient pu définir différentes étapes de cette musique au fil des années, presque tous ont essayé de créer quelque chose de délicate.

Vous aimerez peut-être savoir que dans le monde professionnel, chaque minute de danse sur scène est le résultat d'environ deux heures de chorégraphie et de répétition. Mais bon, ne laisse pas ça t'arrêter.

Une autre forme d'inspiration est le besoin de raconter une histoire. La narration est l'un de nos passe-temps les plus anciens, et la danse est toujours utile à cette fin. Est-ce qu'une certaine histoire vous interpelle, ayant besoin d'être exprimée? Alors pourquoi ne pas en faire la base d'une danse?

Lorsque vous racontez une histoire de danse, décidez d'abord si vous voulez créer un récit simple du début à la fin, ou quelque chose de plus complexe.

Supposons, par exemple, que votre thème soit l'histoire de Hansel et Gretel. Pensez à toutes les façons dont vous pourriez raconter cette histoire. Vous pourriez opter pour l'approche linéaire, en montrant Hansel et Gretel errant à travers la forêt, laissant tomber la chapelure, se perdre, se produire sur une maison de bonbons, et engraissé. Ou vous pouvez commencer à la fin de l'histoire, avec les enfants qui sautent sur la scène pour vous dire ce qu'ils viennent de vivre.

Ou bien, votre danse pourrait simplement se concentrer sur le personnage à un moment donné d'une histoire. Comment la méchante sorcière se sent-elle quand les enfants la font cuire vivante? Peut-être qu'elle pourrait faire une danse interprétative pour nous le faire savoir. Cette expression d'un instant dans le temps, télescopée pour montrer le poids émotionnel qu'elle contient, est la base de 99% de tous les poèmes, airs d'opéra et chansons populaires - et cela fonctionne également pour la danse.

Savoir comment vous voulez que la chorégraphie ressemble

Les grands chorégraphes parlent presque toujours de leur «vision» de leur travail. Les chorégraphes sont fiers de leurs visions et vous en parleront jusqu'à ce que vous leur demandiez d'arrêter.

Tout à fait littéralement, les chorégraphes créent une image de la danse dans leurs esprits avant d'attaquer les détails de la chorégraphie. Qu'ils envisagent ou non les étapes réelles au début, ils peuvent imaginer le «look» global de la pièce. À partir de là, ils peuvent commencer à choisir les étapes qui correspondent le mieux à cette vision.

La vision peut inclure des costumes, des décors et des conceptions d'éclairage - bien que dans le monde professionnel, des concepteurs spéciaux soient embauchés pour étoffer les détails de cette partie de la vision.

Travaillant à partir de cette vision interne, les chorégraphes écrivent ensuite leurs idées en utilisant la notation de danse - ou tout simplement dansent eux-mêmes sur bande vidéo.

Développer un vocabulaire pour la danse

Le même pas de base peut être dansé de différentes manières. Donc, quand vous chorégraphiez une pièce, vous avez un nombre presque infini d'étapes à choisir. Le vocabulaire de la danse fait référence aux gestes et mouvements particuliers que vous choisissez d'utiliser - ceux qui semblent refléter votre propre caractère et composer votre style personnel.

L'ordre dans lequel vous mettez les étapes est également important. Les étapes devraient sembler passer de l'une à l'autre. Par exemple, une arabesque semble bonne lorsqu'elle est suivie d'un failli. Mais ça a l'air mauvais suivi d'un backflip. Vous ressentez simplement ces choses.

Après avoir commencé à expérimenter diverses séquences, vous en trouverez sûrement certaines qui vous conviennent. Quand cela arrive, vous pouvez répéter ces séquences encore et encore - créant ainsi un vocabulaire que vous pouvez appeler le vôtre. George Balanchine, par exemple, était célèbre pour avoir suivi un sauté en arabesque avec un jeté. C'était sa marque de fabrique - tout comme Bob Fosse se faisait un nom avec des chapeaux melon et des pattes retournées (également appelées pigeon toes - think Cabaret ).

Utiliser votre espace de danse complet

Voici une autre règle utile pour chorégraphier votre propre travail: Utilisez la totalité de l'espace disponible.À la fin de la danse, chaque étape de la scène aurait dû être piétinée au moins une fois.

Vous devriez même envisager d'utiliser des zones non traditionnelles - où vous ne penseriez jamais à danser. Les escaliers, les couloirs, les garde-corps et d'autres niveaux de plancher me viennent à l'esprit. (Ou flaques - comme Gene Kelly a découvert dans Singin 'dans la Pluie.) L'inattendu est souvent là où le plus d'inspiration réside.

En couvrant votre espace, nous vous suggérons de varier la forme de votre danse. Si vous commencez par un mouvement sur une diagonale; Ensuite, essayez d'ajouter un motif circulaire plus tard. Ou vice versa. Étirez votre imagination - et gardez votre public sur leurs orteils.

Mettre fin à la danse comme vous avez commencé

Une façon de créer une danse artistique complète est de «boucler la boucle». "Et une façon d'accomplir ceci est de commencer et terminer la danse avec la même pose.

Une version encore plus avancée de cette technique devrait aboutir à une version légèrement "évoluée" de la position de départ. Par exemple, si la danse est un duo, pensez à changer les parties à la fin, de sorte que la femme finisse par l'homme, et vice versa.

Cette technique donne à la danse un sentiment d'achèvement, et elle peut parfois être assez poignante et émouvante. Qui sait - vous pouvez avoir votre public en larmes. Dans le bon sens.

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